ミュージカルの中のナンバーが作品を離れて、ヒットソングとなることがある。このことからも歌に、ボイストレーニングに直結していることがわかるだろう。


「ラ・マンチャの男」の「見果てぬ夢」

はさまざまな歌手によってカバー版が歌われた。


「CATS」の「メモリー」

は作品よりも先に世界的なヒット


「ジキル＆ハイド」の「今このとき」

は1992年アルベールヴィル冬季オリンピックの公式テーマ曲に選ばれた。


「わたしを野球につれてって」のタイトルナンバー「わたしを野球につれてって」

はアメリカのメジャー・リーグの7回攻撃前に必ず球場で観衆が歌う事が慣例となっている。

また、「サウンド・オブ・ミュージック」からは多くのヒット曲が生まれ、

「ドレミの歌」
「エーデルワイス」
「私のお気に入り」

などは、さまざまにアレンジされてカバーされ、今やもともとのミュージカルを離れ、世界的にポピュラーな曲となっている。

日本では1960年に初演された「見上げてごらん夜の星を」のタイトルナンバーがヒットした例がある。
ボイストレーニングでこれら曲を課題にするのも面白いかもしれない。

ミュージカルは通常の場合、15分から30分程度の休息を挟んだ2幕構成であり、上演時間は２時間から3時間ほどになる。
長時間の小枝氏を続ける強いのどは、そうです、ボイストレーニングで鍛えるのです。

まれに1幕構成の作品がある。

出演者は小規模な作品では1人から4人程度、大規模な作品になると15人から50人程度になる。
人数の多い舞台で一期は輝くための声をボイストレーニングで磨き上げるわけです。

コストを圧縮するために、1人で何役も演じるアンサンブルもしくはノーボディーと呼ばれる俳優がいる。
これは、ボイストレーニングでいろいろな声の出し方を覚えていないと難しい。

音楽はオーケストラやバンドによる生演奏が基本だが、日本では興行的な問題などで劇団四季の様にしばしばテープによる演奏が行われる。

通常は舞台下または舞台手前に設けられたオーケストラピットで演奏されるが、演出によっては舞台上に設定されたり、俳優に混じってと演技の一部として演奏することがある。

ボイストレーニングだからといって、歌い手だけがボイストレーニングするものだとは限らない。
ミュージカルも声を扱うのだから、当然ボイストレーニングが必要。

ミュージカルの原型は、パリで演じられていたオペラコミックであり、『天国と地獄』を作曲したジャック・オッフェンバックに影響を受けたヨハン・シュトラウス2世がウィーンでオペレッタ（ウィンナ・オペレッタ）を発展させ、それがベルリンオペレッタで近代化し、さらにハーバート、フリムル、ロンバーグらがアメリカに持ち込んでニューオーリンズで行われていたショーとなり誕生したと言われる。
歴史に立ち向かう素敵な声をボイストレーニングで養う。

最初はストーリー性が低くショウ的要素の強いレビューが中心だったり、男女の恋愛を描きハッピーエンドに終わる単純なストーリーの作品が多かった。
そのころの代表的作品としては、レビューを中心とした出し物を演じて一時代を画したジーグフリートフォーリーズなどがある。
その後、徐々に人種問題やエイズなど社会性の高い問題を取り入れて複雑なストーリーを描く現代的ミュージカルに発展してきた。
さて、この記事はボイストレーニングというよりもミュージカルの記事です。
ボイストレーニングの方法とは関係ないので、飛ばしても結構です。
ボイストレーニングの方法を書いている記事はたくさんありますから。

さて戻りまして、現代的なミュージカルの最初の作品は1927年の『ショウボート』であると言われる。
ベトナム戦争を主題としロック音楽を取り入れた「ヘアー」や、主役の背後にいる無名のダンサーたちに焦点を当てたコーラスラインなどが作られるようになった。

もともとミュージカルはアメリカで作られたものなのでブロードウェイがミュージカルの中心地であったが、1980年代になると完成した『CATS』や『オペラ座の怪人』、『レ・ミゼラブル』といった、イギリス生まれのミュージカル作品が世界を席巻し、トニー賞もイギリス作品ばかりが受賞する事態に陥り、一時はブロードウェイ発のアメリカ産ミュージカルの存在感が薄くなった。『Crazy For You』のリバイバル上演でようやくアメリカ産ミュージカルは息を吹き返す。

現在は、ニューヨークのブロードウェイとロンドンのウエストエンドがミュージカルの本場である。
オペラの本場、ウイーンでもミュージカルが作られており、『モーツァルト』や『エリザベート』といった作品が人気を得て日本でも繰り返し上演されている。
ボイストレーニングがだんだん難しいものに思えてきた方は飛ばしてください。
ボイストレーニングは楽しくやらなくてはいけませんから。

1994年映画大手のディズニープロが『美女と野獣』でブロードウェイに進出し、大資本を武器にブロードウェイ演劇を圧倒するのではないかと話題となった。

『美女と野獣』は自社のテーマパークのスタッフを起用したためか評論家の間ではミュージカル的ではないとさんざんな評判だったが、2作目の『ライオンキング』で前衛芸術家ジュリー・テイモアを演出家に起用し、実験演劇的な衣装デザインと舞台装置で高い芸術性を獲得しトニー賞を受賞した。

日本では、劇団四季、宝塚歌劇団等の劇団が有名。

ボイストレーニングをする人たち。

ボイストレーニングを学ぶ方々にはこういうケースもある。
全編を通じて一貫したストーリーが進行するブックミュージカルと、ストーリーが無いブックレスミュージカル（またはコンセプトミュージカル）がある。

ブックレスミュージカルの代表例としては『CATS』や『コーラスライン』が挙げられる。
当然出演者もボイストレーニングに励んでいたりする。

通常の演劇（ストレートプレイ）に音楽が取り入れられた音楽劇と、ミュージカルが異なる点は、ミュージカルでは歌も台詞の一部であり、歌やダンスが行われている間も歌い手・踊り手を含んだ登場人物によって会話やストーリーが進行していることである。

歌とダンスが行なわれている間ストーリーの進行が停止してしまう作品はミュージカルとは言えない。
芝居、歌、ダンスがそれぞれ独立したものではなく、一体となって劇的効果を高めていることがミュージカルの理想的な形である。
よってボイストレーニングによるしっかりとした歌や声がだせていないものは見れたものではない。

ミュージカルには特に定まった形式はなく、さまざまな形式の作品がある。
台詞や歌のないダンスのみで構成された作品や、サーカスのような他の作品との融合、シェイクスピアなどの古典劇のミュージカル化など、様々な形式のミュージカルがある。
いづれの形式でも発生は重要。
ボイストレーニングは欠かせない。
台詞も全て音楽に乗せて歌うオペラ形式のミュージカルもあり、こちらはポップオペラというジャンルと重なる。

代表的な作品に『オペラ座の怪人』や『レ・ミゼラブル』、『ミス・サイゴン』がある。

類似の舞台作品であるオペラとミュージカルが異なる点の第一は、歌の発声法である。
オペラではアリアに見られるような独特の発声（ベルカント唱法という）唱法が行われるが、ミュージカルではこれは好まれず、基本的にポピュラーソングと同じ発声法が用いられる。
ボイストレーニングはさまざまな分野で費用だということだ。

また、オペラが基本的にクラシック音楽の一分野であるのに対し、ミュージカルではボイストレーニングが気になるみなさんに多いであろう、ポップスからロック、第三世界の民族音楽まで幅広い音楽が自由に使用される。

第三に、オペラでは個々の音楽、特に歌が劇の筋運びなどより優先されがちであるが、ミュージカルでは音楽そのものが劇とそれを演じる役者、その音楽が使用される情景に強く結びついて一体となっている。
情景表現にたえうる声はボイストレーニングでしか身につかない。

第四に、ミュージカルではダンスが大きな要素となっており、すべての役者が踊るのが基本である。一方のオペラでは、踊りは重視されずしばしば用いられない。台詞のあるような役者は皆歌手であり、踊りが入るとすれば専門のバレエダンサーにまかせられる。

舞台で上演するほかに、ミュージカル映画としても数多くの作品がある。
たとえば、『サウンド・オブ・ミュージック』、『南太平洋』、『踊る大紐育』が代表的な例であり、主としてMGMスタジオが製作を手がけた。

ディズニーも長編アニメーションでミュージカル作品を多数作っており、実写とアニメーションを合成した『メアリー・ポピンズ』のような異色作をも製作している。
これらのミュージカル映画は舞台作品を映画化したものと、映画のためにオリジナルの作品を新たに作るものと二種類がある。
近年では、逆に有名な映画作品を舞台ミュージカル化する例（『努力しないで出世する方法』や『イーストウィックの魔女たち』、『ナイン』など）も見られるようになった。

その他、コンピューターゲームの分野においても『マール王国の人形姫』シリーズの様に、ミュージカルの要素を取り入れた作品が試みられている。